FLAMINGO

À la faveur d’un dîner entre amis, les quatre musiciens de ce tout nouveau groupe découvrent qu’ils partagent, sans l’avoir jamais formulé, le même disque fondateur : Flamingo, publié en 1996, alors qu’ils étaient encore à peine adolescents.

Sur cet album devenu mythique, Michel Petrucciani et Stéphane Grappelli dialoguent avec une liberté jubilatoire, portés par l’une des plus grandes sections rythmiques que le jazz ait réunies : George Mraz à la contrebasse et Roy Haynes à la batterie. Chacun des quatre musiciens du projet est venu à cet enregistrement pour des raisons différentes ; chacun y a trouvé une source d’inspiration singulière. Au fil de la soirée, puis de la nuit, l’album est réécouté. Peu à peu, une évidence s’impose : et si cette admiration commune devenait le point de départ d’une aventure collective ? Ainsi naît Flamingo, un quartet qui emprunte son nom à cet album fondateur pour mieux en prolonger l’esprit plutôt que la lettre.

L’ambition n’est pas de célébrer un disque, mais de rendre hommage à deux immenses artistes, Michel Petrucciani et Stéphane Grappelli. Ils ont finalement été assez peu associés au cours de leur carrière, mais ils partagent des qualités rares : un sens de la mélodie d’une évidence désarmante, une carrière internationale exceptionnelle qui n’a jamais renié leurs racines françaises, une manière unique d’intégrer cette culture à leur langage d’improvisateur et de compositeur, ainsi qu’une joie communicative, faite d’élan, d’humour, d’élégance et de cette faculté si  particulière d’écrire des mélodies à la fois lumineuses, romantiques et joueuses. Il est rare de voir un groupe se constituer autour d’une amitié aussi profonde que celle qui unit ses membres. Elle est ici autant le ciment du projet que la musique elle-même.

Le répertoire traverse les grandes compositions de Grappelli et de Petrucciani, mais remet également en lumière quelques trésors oubliés, que le temps avait injustement relégués dans l’ombre. À cet hommage s’ajoute une dimension profondément personnelle. Chacun des quatre musiciens a souhaité prendre la plume et offrir une composition originale inspirée par l’héritage des deux maîtres. Ces œuvres inédites ne cherchent pas à les imiter ; elles prolongent leur esprit de liberté, de lyrisme et d’invention.Au fil de l’album se révèle ainsi une facette nouvelle de chacun des interprètes. Une manière de vivre la musique avec intensité, en regardant toujours du côté de la lumière, comme leurs illustres aînés, mais aussi en puisant profondément en eux-mêmes afin que cet hommage devienne, avant tout, l’expression d’une vérité qui leur appartient. Peu à peu, les voix individuelles s’effacent au profit d’une parole commune, comme si la musique finissait par écrire elle-même une histoire qu’aucun d’eux n’aurait pu raconter seul.

Mathias Lévy
Formé à l’école classique, Mathias Lévy s’impose comme la nouvelle voix du violon jazz en France. Il commence très jeune le piano et le violon, obtenant ses prix de violon, piano, musique de chambre et solfège à 17 ans. C’est par le jazz manouche que le violon reprend le dessus. À l’IACP à Paris sous la houlette de Lionel Belmondo, il se frotte à la tradition du be-bop, avant de se perfectionner au Centre des Musiques Didier Lockwood, dont il devient l’un des protégés. En 2011, il reçoit le Grand Prix Stéphane Grappelli au festival de Calais. En 2016, il enregistre « REVISITING GRAPPELLI », un hommage contemporain à Stéphane Grappelli joué sur le violon même du musicien, conservé au musée de la Musique à la Philharmonie de Paris. Avec Unis Vers (2019), il donne à entendre sa propre musique, mêlant esthétique acoustique, influences classiques et jazz de chambre. En 2022, Les démons familiers marque un tournant vers une œuvre orchestrale de grande envergure. En 2025, il propose Chant Song, où cordes et chant s’unissent, album pour lequel il reçoit le Grand Prix de l’Académie Charles Cros.

Laurent Coulondre
Laurent Coulondre débute la musique par la batterie à 4 ans avant de se tourner vers le piano. À 9 ans, il découvre le jazz et se produit avec le Big Band de Petite Camargue en première partie de grands noms tels que Marcus Miller, Dee Dee Bridgewater, Al Jarreau ou Michel Legrand. Diplômé en jazz au CRR de Toulouse, il étudie à l’École Supérieure de Musique de Catalogne et se découvre également des talents d’organiste. En 2012, il arrive à Paris et enchaîne les collaborations prestigieuses. En 2016, il est sacré « Révélation de l’année » aux Victoires du Jazz. En 2019, à l’occasion du 20ème anniversaire de la disparition de Michel Petrucciani, il lui rend hommage avec Jérémy Bruyère (basse et contrebasse) et André Ceccarelli (batterie) dans l’album « MICHEL ON MY MIND », qui reçoit la même année le prix du « Disque français de l’année » par l’Académie du Jazz. En 2020, élu « Musicien français de l’année » par Jazz Magazine, il remporte la seconde Victoire du Jazz de sa carrière, dans la catégorie « Artiste instrumental ». Laurent Coulondre a collaboré notamment avec Paul Jackson, Joe Lovano, Lenny White, Lisa Simone, Robin McKelle, Veronica Swift, Peter Bernstein, Sly Johnson, Terell Stafford, Hugh Coltman, Michèle Hendricks ou Hadrien Feraud, et se produit régulièrement sur des scènes nationales (Jazz in Marciac, Jazz à Vienne) et internationales (Canada, États-Unis, Japon, Chine).

Jérémy Bruyère
Jérémy Bruyère est un bassiste et contrebassiste français formé au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon (2006-2011), puis à la New School for Jazz and Contemporary Music de New York (2011-2013). Son double cursus, classique et jazz, fait de lui un musicien d’une rare polyvalence et un sideman très sollicité. En 2006, il obtient le 3ème prix de soliste au Concours National de Jazz de la Défense. Compositeur à l’image, il a également signé une douzaine de musiques de reportages et documentaires pour TF1, France 2 ou Canal+. Leader de sa propre formation, il remporte le premier prix du Trophée Jazz Matmut en 2016 et sort son premier album de compositions, « Pictures », en 2017. Jérémy Bruyère a collaboré notamment avec Thomas Enhco, Laurent Coulondre, Tigran Hamasyan, Jacky Terrasson, Baptiste Trotignon, Emile Parisien, Didier Lockwood, Ibrahim Maalouf ou Mélodie Gardot. En musique classique, il se produit au sein de divers ensembles tels que le Geneva Camerata, l’Orchestre Appassionato, Forces Majeures, les Concerts de Poches ou l’Orchestre National de Lyon. Il intervient régulièrement au Centre des Musiques Didier Lockwood (CMDL) et, plus récemment, au Pôle Supérieur de Boulogne-Billancourt.

Matthieu Chazarenc
Né dans le sud-ouest de la France, Matthieu Chazarenc prend ses premiers cours de batterie dès l’âge de 6 ans. Après 5 ans au Conservatoire de Pau (percussions classiques), il rejoint en 1996 le Centre Musical et Créatif de Nancy, se recentrant sur la batterie. En 1997, suite à des rencontres décisives lors du stage de Jazz in Marciac (Oscar Peterson, Elvin Jones), il part quelques mois à New York pour y suivre des cours privés. À son retour, il s’inscrit au CRR de Toulouse, termine son cursus en 2000, puis intègre la classe de Jazz du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, où il étudie pendant 3 ans aux côtés de Daniel Humair. Après un nouveau séjour à New York en 2005, il choisit de résider définitivement à Paris. Batteur polyvalent, également passionné de chanson française, Matthieu Chazarenc part en tournée avec Olivia Ruiz en 2014, puis avec Charles Aznavour en 2017, et accompagne actuellement Hugues Aufray. Il a également collaboré avec Nathalie Dessay, Ibrahim Maalouf, Tigran Hamasyan, Robert Glasper, Thomas Enhco, Mark Turner, Philip Catherine ou Sylvain Luc.